À venir
Ali Cherri
Intitulée « Memory is an Editing Station », une phrase tirée d’un poème de Waly Salomão (1943-2003), la Biennale Sesc_Videobrasil atteindra sa 22e édition en 2023, après avoir été reportée pendant près de deux ans en raison de la pandémie de COVID-19. Organisée par Raphael Fonseca, du Brésil, et Renée Akitelek Mboya, du Kenya, la biennale célèbre également le quarantième anniversaire de Videobrasil, initialement consacrée à la vidéo, et qui s’est élargie au fil des décennies pour englober un large éventail de langages artistiques.
Dans le cadre de cette célébration, « il est donc nécessaire non seulement de réfléchir au temps et aux nombreuses conceptions de la mémoire, mais aussi de revenir sur l’importance de la vidéo au cours de ces quatre décennies », écrivent les commissaires. Il convient également de rappeler qu’à l’époque contemporaine, les possibilités d’édition d’images se sont transformées et sont devenues plus agiles et à la portée de nos doigts grâce à une série d’appareils technologiques que nous utilisons tous les jours.
Bien au-delà de ces « editing station » particulières, la 22ème Biennale recherche des œuvres qui traitent des mémoires collectives, des actes de souvenir et d’oubli qui construisent des récits historiques et sociaux, liés à des peuples, des nations et des géographies. « Quelles sont les limites éthiques d’une coupe ? Qui détient le pouvoir de le faire ? Comment forger la mémoire de ce que nous n’avons pas vu ou ressenti dans notre corps ? Quelles sont les limites de la mémoire ? », s’interrogent les commissaires.
En cours
Sammy Baloji
Intitulée « Chorégraphies de l’impossible » et réunissant diverses pratiques artistiques de différentes parties du monde, la 35ème Biennale de São Paulo « veut construire des espaces et des temps de perception qui remettent en question la rigidité de la linéarité du temps occidental. Ce que nous voyons dans cet horizon chorégraphique, ce sont les stratégies et les politiques du mouvement que ces pratiques ont créé pour imaginer des mondes qui confrontent les idées de liberté, de justice et d’égalité à des réalisations impossibles », déclarent Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes et Manuel Borja-Villel, le collectif de commissaires de l’exposition.
Pour les commissaires, « l’impossible fait référence aux réalités politiques, juridiques, économiques et sociales dans lesquelles ces pratiques artistiques et sociales s’inscrivent, mais aussi à la manière dont ces pratiques trouvent des alternatives pour contourner les effets de ces mêmes contextes. Le terme de chorégraphie permet également de réfléchir à la manière dont l’idée de se déplacer librement reste au cœur d’une conception néolibérale de la liberté. En accord avec le paradoxe même créé par le titre, nous ne cherchons pas à marcher autour d’un motif ou à placer des noyaux thématiques, mais plutôt à faire de la place pour une danse continue que nous pouvons chorégraphier ensemble, même dans la différence. »
James Webb
Après la première édition, construite autour de sculptures mises en scène pour « habiter » et faire vivre le territoire de Saint-Paul-de-Vence, la deuxième consacrée aux regards d’une jeune génération de créateurs sur le village, la troisième Biennale Internationale de Saint-Paul de Vence a choisi de s’inspirer de l’univers et de la symbolique des oiseaux. Choix fait par les deux commissaires de cette exposition à ciel ouvert : Ludovic Delalande et Claire Staebler. Son titre n’oublie pas que le poète Jacques Prévert fut un habitant et un passant « considérable » de ce village. Ce sont ses mots « Au hasard des oiseaux » qui nous invitent à la découverte, à l’émotion et à la rencontre avec vingt œuvres de douze artistes qui sont autant de messagers nous rappelant, plus que jamais, qu’il est profitable pour l’homme de vivre avec la lumière et la beauté du vol des oiseaux.
Sammy Baloji
Qu’est-ce que cela signifie d’être un « agent de changement » ? (…) Au cours des neuf derniers mois, dans des centaines de conversations, de SMS, d’appels Zoom et de réunions – a déclaré Lesley Lokko – la question de savoir si des expositions de cette envergure – en termes de carbone et de coût – sont justifiées, a refait surface à maintes reprises. En mai de l’année dernière, j’ai parlé à plusieurs reprises de l’exposition comme d’une « histoire », d’un récit se déroulant dans l’espace. Aujourd’hui, ma vision des choses a changé. Une exposition d’architecture est à la fois un moment et un processus. Elle emprunte sa structure et son format aux expositions d’art, mais elle s’en distingue par des aspects critiques qui passent souvent inaperçus. Outre le désir de raconter une histoire, les questions de production, de ressources et de représentation sont au cœur de la manière dont une exposition d’architecture voit le jour, mais elles sont rarement reconnues ou discutées. Dès le départ, il était clair que le geste essentiel du Laboratoire du futur serait le « changement ».
Passées
James Webb
À l’invitation de Reiner Michalke, le directeur artistique de la Triennale de Monheim, l’équipe curatoriale de Kathrin Jentjens et Frank Schulte travaille sur des collaborations exclusives avec des artistes sonores internationaux depuis 2020. Les œuvres, dont la plupart sont spécifiques au site de Monheim am Rhein, sont présentées pendant plusieurs semaines dans l’espace public. La plupart des artistes se sont déjà rendus plusieurs fois à Monheim pour développer leurs idées et tester leur faisabilité.
James Webb
« As Yet Untitled », installation sonore conçue spécifiquement pour le parc de sculptures de la Norval Foundation, a été pensée pour entrer de manière synchronisée en résonance avec les levers, zéniths et couchers du soleil, des planètes, des galaxies et des étoiles. L’œuvre se déploiera progressivement au cours des deux prochaines années.
